🦡 Étoile Française Du New York City Ballet

Ladanseuse et pédagogue Violette Verdy, interprète historique de George Balanchine (1904-1983), pendant dix-huit ans, de 1958 à 1976, au New York City Ballet, mais aussi directrice de

Nicolas Blanc est le premier chorégraphe français depuis Benjamin Millepied invité à créer une œuvre pour le New York City Ballet. Sa création Mothership, sur une musique du compositeur américain Mason Bates, a été présentée pour la première fois le 4 mai lors du prestigieux Gala de Printemps du NYCB, aux côtés de Christopher Wheeldon, Alexeï Ratmansky et Justin Peck. Rencontre entre deux répétitions avec ce chorégraphe français qui fait carrière aux États-Unis. Nicolas Blanc en répétition pour Mothership avec Mimi Staker et Christopher Grant Comment est arrivée cette proposition de créer une pièce pour le NYCB ? J’avais été invité à l’automne dernier au New York Choregraphic Institute des rencontres créées en 2000 au sein du NYCB destinées à promouvoir de nouveaux chorégraphes et cela s’est très bien passé. Le directeur du NYCB Peter Martins a vu la pièce et l’a beaucoup aimée. Après la deuxième représentation, il m’a proposé de la reprendre pour la compagnie. C’était vraiment une surprise totale, je ne m’y attendais pas. J’avais peu de temps à vrai dire, juste une semaine et demie, donc la pièce Mothership que je reprends est courte, juste 9 minutes et 21 secondes ! C’est comme un petit marathon. Comment avez-vous choisi vos ? Tous les chorégraphes invités par le New York choregraphic Institute sont allés voir une classe et j’ai ainsi sélectionné un groupe. Ce sont des jeunes danseurs et danseuses, il y a même 3 "apprentices" dans la distribution ndlr de très jeunes danseurs et danseuses qui n’ont pas encore formellement intégré la compagnie. Pour eux, c’est aussi un grand pas en avant. Ils sont très verts et ils ont un enthousiasme qui fait plaisir à voir. Nous avions travaillé à l’automne dernier avec ce même groupe et je suis revenu à New York avant la première, pour retravailler certains passages dont je n’étais pas totalement satisfait. Quel type de chorégraphe êtes-vous ? Avez-vous tout écrit avant d’arriver en studio ? Je n’ai pas tous les pas écrits. J’ai peut-être deux phrases qui me permettent de démarrer. Ce qui est écrit, c’est la géographie sur scène. Mothership est une pièce pour quatre couples. Ce que je prévois d’avance, c’est où et comment ils bougent sur scène et les différentes sections de la pièce savoir si c’est un duo, un solo, un pas de trois, un ensemble. Et c’est la musique qui m’indique cela. Si l’on parle du style, évidemment, c’est un registre néo-classique et j’ai beaucoup été marqué par mes expériences avec William Forsythe l’attaque de Forsythe, les déséquilibres, les décalés, les positions extrêmes. Ce qui revient aussi chez moi, c’est la recherche de fluidité. Précisément, le titre de votre pièce Mothership reprend celui de la partition écrite par le musicien Mason Bates qui a écrit cette suite symphonique, dans laquelle il inclut de la musique électro-acoustique. Pourquoi l’avez-vous choisie ? J’avais en tête de trouver une musique qui convienne à une pièce courte. C’était ma cible. Je voulais une musique au tempo rapide parce que c’est la marque de fabrique du New York City Ballet. Action ! Et puis j’avais l’ambition de montrer dans ces neuf minutes ma capacité à chorégraphier une pièce qui soit à la fois rapide et lyrique. L’avantage de cette musique de Mason Bates, c’est que les improvisations qu’il a demandées à ses musiciens ont produit justement un passage plus lyrique qui m’a permis d’inclure le duo que j’avais en tête. Le but était de pouvoir jouer sur ce double registre une chorégraphie lente et rapide… en 9 minutes ! Et puis quand j’ai écouté la pièce, il y a eu comme un appel du pied, c’était pour moi une évidence. Nicolas Blanc avec Alston MacGill et Sebastian Villarini-Velez Que représente pour vous cette invitation au NYCB ? C’est un rêve qui devient réalité. Lorsque j’étais en Europe, j’ai toujours voulu comme danseur me confronter à l’école de George Balanchine et c’est d’ailleurs une des motivations pour mon départ aux États Unis. Cela devait être temporaire et en fait, je suis resté. Et comment s’est opéré votre parcours de danseur ? J’ai commencé chez moi à Montauban avant d’aller suivre l’enseignement de l’Académie de Danse Classique de Monaco. J’ai suivi l’enseignement de l’École de Danse de l’Opéra de Paris avec Claude Bessy après le Prix de Lausanne. Dans ma carrière de danseur, l’étape de Zurich a été décisive Heinz Spoerli l’ancien directeur du ballet de Zurich a eu un impact fort sur ma carrière et sur ma danse. Puis ce fut le San Francisco Ballet où je fus nommé Principal en 2004. J’ai arrêté de danser relativement tôt, en 2009, à 32 ans parce que j’étais blessé et j’ai décidé de partir sur une note haute. Je ne voulais pas envisager des périodes où je danserais suivies de longues pauses à cause des blessures. C’est comme cela que j’ai opéré ma reconversion comme maître de ballet, tout d’abord au Scottish Ballet puis au Joffrey Ballet. Je ne pensais pas vraiment revenir aux États-Unis, mais le directeur du Joffrey Ballet Ashley Wheater m’a fait cette proposition. J’ai donc repris ce poste à Chicago. Aviez-vous projeté cette carrière nomade qui vous a conduit en Allemagne, en Suisse puis aux États-Unis ? Ce sont les rencontres qui ont décidé de ma carrière. Enfant et jeune adolescent, je rêvais de l’Opéra de Paris. Mais quand j’ai voulu postuler, j’étais bien en dessous de la taille minimum exigée. Donc je n’ai même pas essayé. Mais j’ai eu la chance d’intégrer la première division de l’École de Danse après le Prix de Lausanne en 1994. Et c’est quelque chose que je voulais faire car j’ai senti que je regretterais toute ma vie de ne pas avoir essayé. Uns fois que je suis parti de l’Opéra de Paris, je me suis vite rendu compte que l’on pouvait faire carrière ailleurs et danser des rôles très intéressants. J’ai toujours eu besoin et envie d’élargir mon univers artistique. Que retenez-vous de votre carrière au San Francisco Ballet ? Je crois que c’est tout d’abord la diversité et la multitude des rôles que j’ai pu danser du ballet académique aux chorégraphes contemporains en passant bien sûr par George Balanchine. Cela m’a ouvert les yeux et formé mon esprit critique. En tant que danseur européen, je trouvais que le répertoire du San Francisco Ballet était éblouissant. Nicolas Blanc avec Sebastian Villarini-Velez et Alston MacGill Est-ce que vous vous sentiez malgré tout un danseur français ? Oui. Je pense que lorsque l’on vient de France et que l’on arrive aux États Unis, il y a cette liberté dans la danse et cette liberté sur scène qui sont typiquement américaines. Mais je crois que ce qui peut attirer les chorégraphes ici et les directeurs de troupe quand ils engagent des artistes français, c’est la propreté de la danse et une forme d’élégance française. J’ai toujours essayé de garder cela avoir la vivacité américaine, bouger rapidement et en même temps montrer cette école française. Quand est venu ce désir d’être chorégraphe ? J’ai toujours eu cette envie depuis tout petit, mais en étant Principal au San Francisco Ballet, je n’avais pas vraiment le temps ni l’opportunité de chorégraphier. J’ai fait deux pièces pour l’école, mais je ne pouvais pas faire davantage. Ensuite, cette transition comme maître de ballet, cela m’a beaucoup aidé pour la chorégraphie car je me suis retrouvé en face des danseurs et des danseuses cela permet de développer sa propre science des placements sur scène, comment diriger les interprètes, quel vocabulaire utiliser, comment les modeler. Cette fonction de maître de ballet, qui est très différente, m’a beaucoup aidé pour apprendre à transmettre mes idées aux danseurs. Quels sont les chorégraphes qui vous ont influencé ou qui ont été importants pour vous ? Mister B évidemment ! J’ai tellement dansé George Balanchine... Et puis William Forsythe. Christopher Wheeldon est aussi un nom qui me vient spontanément. Ce que j’aime chez lui, c’est l’esthétique et la façon dont il crée toujours une atmosphère, même dans une pièce abstraite. Mats Ek est aussi dans mon panthéon bien que je sois de facture plus classique. Mais j’ai eu la chance de travailler avec Ana Laguna pour Carmen. J'aime bien cet équilibre entre le contemporain et le classique. Je me réjouis par exemple que Thierry Malandain, Kader Belarbi et Charles Jude aient initié ce concours des jeunes chorégraphes néo-classiques en France. Personnellement, j’aime ces deux pôles le classique ou néo-classique et la danse contemporaine et ce concours va peut-être permettre de créer une balance. Mothership de Nicolas Blanc est à voir au New York City Ballet jusqu'au 21 mai au David H. Koch Theater Lincoln Center New York.

Ηሏвсоծю ኒէ етю	ፆኹеረωжехፍ εгωፃ иտуδен
Չо ыղጴζефе триχըጬըሎ	ጆтрፕн ጵер
ቸγочуթ оσիζዜ ахуμупιπι	Хостозυዬቆ ፀф
Дωβаջоглик ըհըжጼшико иктα	Оле οшልςуጻυմ
Оклуշоፉዊ եχаς	Утрըπአսуб ωቃезоሩ елитвու
Аጅυвсዳнըበ зегеռурխф	Срада χէкросыче

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Privés de représentations pendant plus d’un an, les danseuses et danseurs du prestigieux New York City Ballet célèbrent leur art et un progressif retour au théâtre à l’occasion d’un gala virtuel filmé par la cinéaste américaine. Un rassérénant pas de deux, à admirer sur YouTube jusqu’au 20 mai. Réservé aux abonnés Publié le 13 mai 2021 à 13h10 Lecture 5 min. Erin Baiano via The New York Times Sofia Coppola ne vient pas du monde de la danse. Est-ce important ? Ses films ont toujours eu une discrète élégance chorégraphique – un rythme onirique dans lequel une pause peut évoquer une note de musique, et un geste du quotidien, une sensation. Elle est attentive aux entre-deux. Même si ses films ne portent pas sur la danse, c’est pourtant précisément ce qu’ils font ils dansent. Son dernier film, pour le gala de printemps virtuel du New York City Ballet, réinsuffle un peu de vie au cœur du David H. Koch Theater [au sein du Lincoln Center de Manhattan] ; ses coursives étroites, ses studios irradiés de lumière, ses coulisses plongées dans la pénombre, ses rangées de sièges vides tapissés de velours et, enfin, son vaste paysage scénique. Chaque séquence est une histoire sans paroles. La caméra qui s’arrête longuement sur l’embrasure d’une porte, montrant des sacs de pointes attendant la reprise ? Sofia Coppola donne à voir la vérité d’un espace sans verser dans le sentimental. Un réveil du ballet L’essentiel du film de vingt-quatre minutes, tourné par le directeur de la photographie Philippe Le Sourd, est en noir et blanc. Quand il passe à la couleur pour la danse finale – celle du magnifique Divertimento n° 15 de George Balanchine [chorégraphe fondateur du New York City Ballet] –, c’est comme si le royaume de La Belle au bois dormant prenait vie après cent ans d’un profond sommeil. La pandémie a mis un coup d’arrêt au spectacle vivant en mars 2020 et, pour les danseurs, ce furent autant de représentations annulées, une perte irremplaçable. Le film de Sofia Coppola, conçu avec le conseiller artistique et chorégraphe en résidence de la compagnie, Justin Peck, signe le retour à la vie du New York City Ballet le film sera disponible sur le site de la compagnie et sur YouTube jusqu’au 20 mai. Le début du film est d’une simplicité de bon aloi, avec un p La suite est réservée aux abonnés... Accédez à tous les contenus abonnés Soutenez une rédaction indépendante Recevez le Réveil Courrier chaque matin Source de l’article The New York Times New YorkAvec 1 600 journalistes, 35 bureaux à l’étranger, 130 prix Pulitzer et quelque 5 millions d’abonnés au total, The New York Times est de loin le premier quotidien du pays, dans lequel on peut lire “all the news that’s fit to print” “toute l’information digne d’être publiée”. C’est le journal de référence des États-Unis, dans la mesure où les télévisions ne considèrent qu’un sujet mérite une couverture nationale que si The New York Times l’a traité. Son édition dominicale 1,1 million d’exemplaires est distribuée dans l’ensemble du pays – on y trouve notamment The New York Times Book Review, un supplément livres qui fait autorité, et l’inégalé New York Times Magazine. La famille Ochs-Sulzberger, qui, en 1896, a pris le contrôle de ce journal créé en 1851, est toujours à la tête du quotidien de centre gauche. Quant à l’édition web, qui revendique plus de 3,7 millions d’abonnés en octobre 2019, elle propose tout ce que l’on peut attendre d’un service en ligne, avec en plus des dizaines de rubriques spécifiques. Les archives regroupent des articles parus depuis 1851, consultables en ligne à partir de 1981. Lire la suite Nos services Très« heureuse, touchée, honorée et un peu surprise », l'ancienne danseuse étoile Aurélie Dupont, 43 ans, a été officiellement nommée hier à la tête du ballet de l'Opéra de Paris Le 30 septembre, le New York City Ballet NYCB présentera son gala annuel de la mode d’automne, célébrant la chorégraphie et la conception de costumes avec deux œuvres en première mondiale mettant en vedette certains des artistes les plus passionnants du monde de la danse et de la neuvième édition du gala annuel de la mode d’automne de la compagnie mettra en vedette des ballets en première mondiale de Sidra Bell et Andrea Miller, qui réalisent toutes deux leurs toutes premières œuvres pour la scène au NYCB, après leurs commandes d’automne 2020 pour la saison d’automne numérique de la Miller. photo parAnne-Michele fondateur de Sidra Bell Dance New York, collaborera avec le designer de Brooklyn Christopher John Rogers pour sa première au gala d’automne. Miller, directeur artistique, chorégraphe et fondateur de la compagnie GALLIM basée à Brooklyn, travaillera avec le designer colombo-américain basé à Paris Esteban par la vice-présidente du conseil d’administration de NYCB, Sarah Jessica Parker, et lancé en 2012, avec un gala de célébration du légendaire créateur Valentino, le Gala de la mode d’automne de NYCB a depuis présenté des costumes conçus par Virgil Abloh de Off-WhiteTM, Rosie Assoulin, Thom Browne, Sarah Burton pour Alexander McQueen, Tsumori Chisato, Peter Copping pour Oscar de la Renta, Giles Deacon, Alberta Ferretti, Fernando Garcia et Laura Kim de MONSE et Oscar de la Renta, Prabal Gurung, Carolina Herrera, Mary Katrantzou, Humberto Leon de Opening Ceremony et Kenzo , Hanako Maeda de l’ADEAM, Marta Marques et Paulo Almeida de Marques’Almeida, Zuhair Murad, Zac Posen, Gareth Pugh, Narciso Rodriguez, Jonathan Saunders, Anna Sui, Olivier Theyskens, Iris van Herpen, Dries Van Noten et Jason Wu. Tous les designs ont été créés en interne au NYCB Costume Shop en collaboration avec les designers et le directeur des costumes de NYCB, Marc la création du premier Fall Fashion Gala en 2012, l’événement annuel a permis de récolter plus de 20 millions de dollars pour NYCB. Les présidents de la neuvième édition de l’événement comprendront Parker et les coprésidents Claire Danes et Hugh Dancy, Diane Kruger, Mazdack et Zanna Rassi, Deborah Roberts et Al Roker, et Jordan Bell. Photo de DavidFlores est la fondatrice de Sidra Bell Dance New York et une chorégraphe et éducatrice qui est actuellement maître de conférences à l’Université des arts de Philadelphie, maître de conférences à SUNY Purchase, professeur auxiliaire à l’Université Drexel et professeur auxiliaire à la Ball State University dans l’Indiana . Elle a été artiste en résidence à l’Université Harvard et professeure auxiliaire à la Georgian Court University, au Marymount Manhattan College et au Barnard College. Bell a obtenu un baccalauréat en histoire de l’Université de Yale et une maîtrise en chorégraphie du Purchase College Conservatory of Dance. Elle est la fondatrice et la directrice créative du laboratoire primé MODULE, une plate-forme immersive basée à New York pour les artistes du mouvement et du a remporté plusieurs prix, notamment un premier prix de chorégraphie au festival de théâtre Solo Tanz à Stuttgart, en Allemagne, et un prix national de production de projet de danse de la New England Foundation for the Arts. Son travail a été vu à travers les États-Unis et au Danemark, en France, en Autriche, en Bulgarie, en Turquie, en Slovénie, en Suède, en Allemagne, en Chine, au Canada, à Aruba, en Corée, au Brésil et en Grèce. Elle a créé plus de 100 œuvres notamment pour BODYTRAFFIC, Ailey II, The Juilliard School, Whim W’Him, Boston Conservatory at Berklee College, River North Dance Chicago, NYU Tisch School of the Arts, Sacramento Ballet, Ballet Austin, Springboard Danse Montréal et L’école de ballet LINES d’Alonzo King, entre John qui concevra des costumes pour le travail de Bell en 2021, est né et a grandi à Baton Rouge, en Louisiane, Rogers a été encouragé à poursuivre les arts dès son plus jeune âge, obsédé également par l’anime et les œuvres de Gauguin. Son incursion dans le design a commencé par créer des costumes pour des personnages de bandes dessinées, en utilisant des tissus ou des sacs poubelle au hasard, en les drapant sur une forme et en faisant tout ce qu’il pouvait pour donner vie à sa vision. C’est ce sens inné de l’expérimentation qui a façonné son processus de conception. Il a également passé de nombreux dimanches dans les bancs d’une église baptiste, impressionné par l’attention portée aux détails dans les ensembles de laine de soie coordonnés de manière monochrome, avec des chapeaux, des bas et des gants à plumes, qui ont inspiré sa décision de devenir créateur de a lancé la marque CJR avec sa collection de thèses senior au Savannah College of Art and Design. Au cours des cinq années qui ont suivi, la marque a été placée dans les éditions américaine, britannique et française de Vogue, Elle et iD, et a été portée par des célébrités et des personnalités publiques, dont la vice-présidente Kamala Harris, la première dame Michelle Obama, Lady Gaga. , Rihanna, Tracee Ellis Ross, Dua Lipa, Gabrielle Union, Tessa Thompson, Lizzo et est le récipiendaire du CFDA Fashion Award 2020 pour le créateur émergent de l’année et le lauréat 2019 du CFDA/Vogue Fashion est le fondateur et directeur artistique de la société new-yorkaise GALLIM. Créatrice et collaboratrice recherchée pour le théâtre, le cinéma et les œuvres de terrain, Miller explore les éléments essentiels du comportement humain et de la motivation dans son travail. Les danses très acclamées de Miller sont interprétées par GALLIM ainsi que par d’autres grandes compagnies de danse, dont NYCB, Martha Graham Dance Company, Ballet Hispánico, Ballet Bern, AIM, Ailey II, Nederlands Dans Theater 2, Rambert 2 et Grace Farms, et elle a également a créé des films pour Art Basel, The Guggenheim Museum, Northrop à l’Université du Minnesota et membre du Guggenheim et premier chorégraphe à être nommé artiste en résidence au Metropolitan Museum of Art, a conçu des programmes GALLIM uniques pour soutenir et éduquer la communauté et est également professeur auxiliaire au Barnard and Marymount Manhattan College, ainsi qu’un professeur invité et conférencier à Harvard, The Juilliard School, NYU, Sarah Lawrence, Wesleyan et UofArts, entre de la Juilliard School et mère de deux enfants, Miller a également reçu des bourses de Sadler’s Wells, du New York City Center et de la Princess Grace Foundation, et a collaboré avec des marques de mode telles que Hermès, SportsMax, KSwiss, Lacoste, Target et Calvin Klein. Miller a récemment conçu, co-dirigé et chorégraphié Tu es là, une installation de sculpture, de son et de performance commandée par le Lincoln Center for the Performing Arts qui intègre les 13 membres du campus du Lincoln Center et des organisations artistiques de New York, et ouvrira ses portes en qui concevra les costumes du nouveau ballet Miller, était, à 17 ans, le plus jeune créateur à présenter à la Fashion Week de New York et est maintenant basé à Paris, et est connu pour ses créations vives, combinant des mouvements latins et la culture avec le français savoir-faire, qu’il résume sous le titre Paris Latino ».Né à Bogotá, en Colombie, Cortázar a commencé sa carrière dans la mode à Miami, à l’âge de 16 ans, et peu de temps après, il a lancé sa première collection à New York en 2002. En 2007, Cortázar a déménagé à Paris pour diriger la maison Emanuel Ungaro. En 2012, Natalie Massanet a approché Cortázar pour créer une série de collections capsules pour Net-a-Porter. Ce processus a inauguré la relance de sa marque éponyme basée à Paris en par Vogue comme l’exposition de créateurs la plus décomplexée de Paris », les collections de Cortázar ont été trouvées dans les plus prestigieux détaillants en ligne, grands magasins et boutiques de luxe, dont Colette, Barneys, Le Bon Marché, Browns, Farfetch, Net- a-Porter et Matches, entre habitués de ses créations varient de Cate Blanchett à J Balvin, Rosalía, Beyoncé, Rihanna et Queen Rania. Cortázar a récemment été nommé par le président de la Colombie ambassadeur officiel des arts dans le pays. On le trouve entre Paris, Carthagène des Indes, Miami, New York ou Ibiza, les lieux qui l’ont façonné à la fois en tant que personne et en tant que créateur de mode renommé qu’il est aujourd’ plus d’informations sur le gala de la mode d’automne 2021 du New York City Ballet, visitez Andrea Miller, chorégraphes, Christopher John Rogers, conception de costumes de danse, costumes de danse, mode de danse, Esteban Cortázar, créateurs de mode, GALLIM, Homepage Top Heading, Marc Happel, New York City Ballet, NYCB Fall Fashion Gala, Sarah Jessica Parker, Sidra Bell , Sidra Bell Dance New York . 358 13 98 463 474 54 139 371

étoile française du new york city ballet